martes, 10 de diciembre de 2019
La instalación artística; origen, evolución y características.
Desde sus inicios, las instalaciones se han planteado
los límites de la obra de arte, están ligadas a la reflexión sobre el museo, el
mercado y los espacios expositivos y vinculan la creación a un lugar
específico, otorgando valor a ese espacio y constituyéndose en él. Pueden ser
permanentes o efímeras, entrañan la participación del espectador mediante
diversos procedimientos, propician experiencias en relación con el espacio, la
percepción y los significados y pueden estar constituidas por objetos de
cualquier materia y forma, pudiendo ser incluso inmateriales o mixtas.
Una instalación artística es un género de arte contemporáneo
que surge en la década de los años 1960 en la idea de que la obra prevalece
sobre sus aspectos formales. Es parte de la forma experimental artística, se
exhibe por un tiempo predeterminado y se puede presentar en cualquier espacio.
Una instalación se realiza en y para un contexto y espacio determinado1. Por
definición, tiene una duración determinada y, por ende, entra dentro de lo que
se conoce como arte efímero. En la mayoría de los casos permite una interacción
activa con el espectador.
La intervención artística de espacios es una
manifestación propia del arte contemporáneo conceptual. El artista propone el
concepto dentro de un contexto deseado, las instalaciones pueden presentarse en
cualquier espacio y ser realizadas con los más variados materiales, medios
físicos, visuales o sonoros, incluso en ocasiones intervienen otras disciplinas
artísticas como la fotografía, el videoarte o el performance. Se utiliza
cualquier medio para crear una experiencia de interacción con el espectador
para despertar sentimientos o reflexiones. Motivan la percepción sensorial en
cualquiera de los sentidos, ya sea vista, oído, gusto, tacto y olfato.
La instalación artística no solo es el montaje y el
ordenamiento de objetos producidos o intervenidos en un espacio o ambiente; las
instalaciones tienen sentido en las ideas fundamentadas que concibe y presenta
el artista en su obra física o intangible y lo que éstas provocan en la
interacción con el espectador. La completa experiencia estética es parte
fundamental de la instalación, a diferencia de obras que se ubican en una
sala.
Origen
Muchos encuentran el origen de este género en artistas
como Marcel Duchamp y el uso de objetos cotidianos resignificados en espacios
de galerías y museos como obras artísticas. Sin embargo, se puede decir que el
más cercano precedente está dado en los Environments (ambientes). Unos de los
creadores de los “Environments” fue el artista norteamericano Allan Kaprow con
obras realizadas a partir de 1957. En una entrevista sin fechar publicada en
1965 Kaprow decía acerca de su primer Environment: “Yo simplemente rellené toda
la galería. Cuando abres la puerta te encuentras en medio de un ambiente
integral. Los materiales eran diversos: sábanas de plástico, envoltorios de
celofán, trozos de cinta adhesiva, pedazos de esmalte rajados y manchados y
piezas de ropa coloreadas”. También había luces colocadas en medio de todo esto
y “cinco maquinas de escribir desplegadas alrededor del espacio tocando sonidos
electrónicos que yo había compuesto”. Desde ese momento la creación de
instalaciones devino una importante corriente del arte moderno, principalmente
a partir de la década de 1990.
Otro antecedente interesante puede ser la exposición
de 1958 en Paris del artista francés Yves Klein que consistía en una habitación
vacía y aunque el término no surgió hasta la década de 1970, este gesto es a
veces visto como la primera instalación, en el sentido en que se entiende el
término en la actualidad.
En 1961, en Nueva York, Claes Oldenburg creó un
ambiente, Counter and Plates with Potato and Ham que, en estos momentos se
considera instalación.
Características
Como género dentro de las artes plásticas, la
instalación se supedita a los sitios de arte o emplazamientos para los que ha
sido o fue concebida. Algunas instalaciones son sitios específicos de arte y
sólo puede existir en el espacio para el que fue creada.
El uso de materiales diversos, la asimilación de
diferentes escalas, la libertad de concepto y de la potenciación de la
interactividad entre el producto artístico y el público son algunas de las
características más importantes de esta peculiar manera de concebir obras de
arte. Otro aspecto dentro de la concepción de instalaciones artísticas es el
emplazamiento, en este sentido se hace válido recordar que existen artistas que
en su búsqueda de una mayor interacción social, manifiestan su gusto por los
espacios exteriores o urbanos, mientras que otros continúan creando dentro de
los restringidos límites de las galerías de arte, museos y recintos de exposición.
En la praxis del arte instalativo, más que la
apreciación de la escultura tradicional, cuyo fundamento se establece sobre la
base del trabajo artístico, en la instalación la intención del artista es
primordial debido a su conexión con el Arte conceptual y con las actitudes
comunicativas en su obra.
En el arte de la instalación los artistas pueden hacer
uso de cualquier medio o material, pueden usar desde materiales naturales y
tradicionales hasta los más novedosos medios de comunicación, incluso existen
artistas que han llegado a utilizar la energía pura como el plasma o el fuego.
Otro elemento importante a acotar dentro del género instalativo es que existen
instalaciones en las que el artista incorpora sonidos, olores, sensaciones
térmicas, etc., contribuyendo así a propiciar lecturas más profundas y ricas en
los expectadores. Uno de los creadores de la instalación artística que utiliza
luces es James Turrell.
Artistas
y obras más representativas
Claes
Oldenburg
Larry
Bell
Richard
Wilson
James
TurrellAUTORES MÁS RELEVANTES
Esta entrada va dedicada a los cuatro autores mas importantes de las instalaciones artísticas. Hablaremos sobre sus obras, exceptuando a Marcel Duchamp ya que hemos creado una entrada solo para este autor. A continuación os mostramos el siguiente mapa conceptual:
CLAES
OLDENBURG,
EL
ESCULTOR POP QUE CAMBIA EL TAMAÑO DE LAS COSAS.
Claes Oldenburg es un escultor, pionero del Pop Art. Es
conocido sobre todo por sus instalaciones de arte público que representan
réplicas a gran escala de objetos cotidianos. Otro tema en su obra son las
versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros.
En 1960 realizó su primera exposición individual
en la Judson Gallery con el título de La Calle (The Street) con
el que innovó en una nueva estética llamada el “pop urbano” en
la que utilizaba diferentes figuras y objetos creados todos con materiales
como cartones viejos y maderas que unía por medio de cola o de cuerda, que
representaban coches y transeúntes pintados de forma tosca al estilo grafitti.
Estas imágenes bidimensionales mostraban su vida en el Lower East Side en 1956,
dominada por la pobreza, el aislamiento y la falta de comunicación. Esta
exposición será significativa en su carrera y es una de las muestras que
aparece en la exposición del Guggenheim.
Un año después inauguró su primer local, llamado El
taller, que era una especie de tienda en donde el artista vendía
figuras hechas en escayola y pintadas de llamativos colores, vendía sus
recreaciones de alimentos, ropa etc., este tipo de objetos que ponía a la venta
no representaban tanto la realidad misma de la cotidianidad, sino su reflejo
publicitario, es decir frutas o utensilios domésticos, objetos de la vida
cotidiana pero influidos por una estética publicitaria, haciendo una crítica
constante al capitalismo y los medios de masas.
Hacia
1962 introdujo un cambio sustancial en el modo de reconstruir los objetos
cotidianos y empleó para ello lonas rellenas de estopa, con lo que sus formas
no eran estables, a la vez que agigantaba sus tamaños. La reconstrucción de
objetos industriales con materiales blandos y en una escala que los
sobredimensiona pervierte su naturaleza matérica y funcional y modifica de
forma irreversible la conciencia que de ellos tenemos.
En el año 1974 hizo su serie The Home, en ella realizó diferentes versiones de objetos cotidianos que fueron creados a gran escala, de forma colosal, esta es una de las características fundamentales del arte de Oldenburg.
A partir de 1976, colabora con Coosje Van
Brunggen, con quién se casa en 1977. Juntos realizan proyectos de
gran escala aplicados a ingeniería urbana y que constituyen un verdadero alarde
de ingenio e ironía.
Claes Oldenburg y Coosje
van Bruggen disponen de una página
web oficial en la que nos cuentan sus biografías, sus exposiciones y sus
proyectos. En esta otra web podéis visitar una antología de
la obra del artista.
'NO CREO EN EL ARTE, CREO EN LOS ARTISTAS'
Enlace directo a la entrada de este autor: Entrada Marcel Duchamp
YVES KLEIN,
EL ARTISTA QUE CREO SU PROPIO AZUL PARA LLENAR EL VACIO
Yves Klein (1928-1962) fue un artista francés representante de el movimiento neodadaísta y fue uno de los fundadores del Nuevo Realismo: Noveau Réalisme, que es una de las numerosas tendencias artísticas de vanguardia de los años 60 que buscaban de laguna manera unir vida y arte.
La obra de Klein es casi exclusivamente monocromática, y de hecho al final solo utilizaba un color, el Azul Klein Internacional (IKB). También hizo numerosas acciones artísticas como pintar de azul cuerpos de mujeres (antropometría), grabar un largo acorde monótono, exponer una habitación vacía (llegó a haber 3000 personas haciendo cola para verla) o estampar lluvia en un lienzo conduciendo a 110 kilómetros por hora.
Fue en 1954 cuando inició sus eclécticas pinturas de campos monocromos, que al principio eran de diversas tonalidades pero que finalmente redujo al azul ultramar. Klein erigió alrededor del color azul una teoría artística que se articulaba en torno a dos principios: el color absoluto y el vacío, que limita creando lo que él llamaba las "zonas de sensibilidad pictórica inmaterial".
Azul Klein Internacional (IKB)
En la trayectoria artística de Yves Klein también son conocidas sus Antropometrías, donde exploraba su lado más provocador y experimental con pinturas realizadas por mujeres desnudas que se embadurnaban en azul IKB y se convertían en una continuación del pincel del artista cuando dejaban la huella de sus cuerpos sobre lienzos extendidos en la pared o en el suelo. En ocasiones, organizaba auténticos happenings con público en directo y músicos que amenizaban las sesiones experimentales de pintura. Lo que hoy llamaríamos performances.
Antropometrías
El vacío (Le Vide), 1957-1962 Galería Iris Clert
La realización conocida como El vacío y llamada por Klein Estado de materia prima de sensibilidad pictórica estabilizada o también, Zona de sensibilidad, no es una pieza reproducible, ni tampoco única, sino un espacio ideal cuyas propiedades pueden ser trasladadas de un lugar a otro. La primera vez que instaló vacío o mejor dicho, que vació un espacio para liberar "bloques de sensibilidad pictórica inmaterial", lo hizo en una habitación reservada de la galería Colette Allendy, en mayo de 1957. En realidad, no era parte de la exposición, sino un lugar en el piso de arriba de la galería que solo enseñaron a pocas personas. El vacío fue después obra única en la exposición que hizo en la galería Iris Clert, a finales de 1959. Klein inauguraba una nueva época en su trayectoria: "Abandono el azul material y físico, por la materia prima sensibilidad del espacio". Cambia lo visible por lo invisible.
ALLAN KAPROW,
EL CREADOR DEL 'HAPPENING'
Allan Kaprow fue un artista estadounidense nacido el 23 de agosto de 1927 y fallecido el 5 de abril de 2006, pionero en el establecimiento de los conceptos de arte de performances, es considerado el fundador del happening y ayudó a desarrollar las instalaciones artísticas a finales de los años cincuenta y sesenta. Sus happenigs, alrededor de doscientos, fueron evolucionando a los largo de los años. Kaprow dic que los happenings eran "eventos que, sencillamente, ocurren". No había un inicio, nudo o desenlace estructurado; y no había distinción o jerarquía entre el artista y el espectador.
El happening es una manifestación artística de los años 50 surgida en Estados Unidos, tuvo su apogeo durante los 'alegres' 60 con estéticas próximas al Pop Art y a las del movimiento Hippie. Como manifestación artística es efímero y busca una participación espontánea del público. Valoriza el evento, la acción.
Allan Kaprow: '18 happening in 6 parts' (1959)
Sus primeros happenings fueron en lugares poco comunes: almacenes, gimnasios, apartamentos. Con "18 happening in 6 parts" le dio el nombre a los que sería conocidos después como happenings. Designó por primera vez con el nombre happenings, a una compleja sucesión de actividades de artistas norteamericanos, europeos y japoneses que consideraban que el arte no debía desligarse de la vida y que era indispensable una participación activa del público, puesto que formaba parte, asimismo de la obra de arte. Esta obra incluía la proyección de películas y diapositivas, danza, música, texto, una escultura sobre ruedas, música concreta, la producción in situ de un cuadro y varios actos triviales.
Allan Kaprow: 'Yard', New York (1961)
En el 1961 realiza Yard. Kaprow acumuló una gran cantidad de neumáticos en un patio donde el público podía jugar un rol activo o ser espectador sin más. Los niños juegan despreocupados entre las ruedas; vecinos y paseantes ocupan ese espacio. El espectador no está frente al objeto sino que sed tiene que mover entre ellos. El objetivo que se busca es la integración de arte y vida, intentando eliminar la separación entre ambos.
Fluids se creó por primera vez en octubre de 1967 en varios lugares públicos de California. Con la ayuda de voluntarios, Kaprow construyó estructuras de unos 9 m de largo, 3 m de ancho y 2,4 m de altura utilizando bloques de hielo como único material. Una vez en el lugar se dejó que estas estructuras de hielo simplemente se derritiesen.
A continuación os mostraremos algunos vídeos explicativos de las obras de cada autor:
CLAES OLDENBURG:
MARCEL DUCHAMP:
YVES KLEIN:
ALLAN KAPROW:
MARCEL DUCHAMP
MARCEL DUCHAMP,
"I DON'T BELIEVE IN ART"
Marcel Duchamp (1887-1968) fue un artista francés de tendencia dadaísta (movimiento artístico que se caracterizó por oponerse al positivismo y por estar en contra de las tradiciones literarias y artísticas). Es reconocido por su principal aporte al movimiento conocido como ready-mades, el cual consistía en sacar objetos de la realidad y situarlos en el espacio artístico por la simple acción del artista. Hoy día Duchamp es venerado como uno de los artistas más importantes del siglo XX.
En 1912 presentó su Desnudo bajando
una escalera, obra personalísima en la que aunó elementos
cubistas con futuristas y sus propias inquietudes sobre la representación del
movimiento. La pintura fue rechazada por el Salón de los Independientes y tuvo
que esperar un año para ser expuesta, esta vez en el Armory Show de Nueva York,
donde fue recibida con tanto entusiasmo como sorpresa.
Desnudo bajo una escalera, Marcel Duchamp (1912)
Consiguió mostrar la idea de movimiento a través
de líneas e imágenes superpuestas, y así crear en la mente del espectador la
idea de movimiento y desnudez, aunando cubismo y futurismo.
Rueda de bicicleta, Marcel Duchamp (1913)
Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, Los novios desnudando a la novia (1923, Museo de Arte de Filadelfia), conocida también como El gran vidrio. Cuando la obra se rompió durante un traslado, Duchamp la declaró concluida al ver las maravillosas grietas que se habían formado a modo de tentáculos.
“En 1913 tuve la feliz idea de fijar una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina y de mirar cómo giraba”. Así recordaba Marcel Duchamp, en 1961, el surgimiento del primer ready-made. Podemos encontrarla en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque la rueda expuesta allí no es la única ni la primera creada por el artista, ya que la primera se extravió y fue reemplazada.
“Cuando coloqué una rueda de bicicleta sobre un banco… no tenía la idea de un ready-made o algo más. Fue sólo una distracción”.
Fuente, Marcel Duchamp (1914).
En 1914, Duchamp crea los ready
mades, objetos cotidianos separados de su entorno habitual y
presentados por el artista como obras de arte. Uno de ellos, un orinal firmado
con seudónimo que tituló Fuente, constituye uno de los iconos más
significativos del arte del siglo XX. A partir de entonces el arte ya
no se veía con los ojos, sino con la mente. La obra
que conocemos como Fuente (un ready-made)
consiste en un simple urinario masculino que constituye uno de
los iconos más significativos del arte del siglo XX.
Sin querer, creó la primera obra de arte conceptual. R.Mutt fue el seudónimo que uso Duchamp para que la obra pudiera ser admitida, ya que él era miembro del jurado. Lo mandó a la Sociedad de Artistas Independientes para que fuese incluido en su exposición anual.
Sin querer, creó la primera obra de arte conceptual. R.Mutt fue el seudónimo que uso Duchamp para que la obra pudiera ser admitida, ya que él era miembro del jurado. Lo mandó a la Sociedad de Artistas Independientes para que fuese incluido en su exposición anual.
En 2004 esta “Fuente” fue votada como “la
obra de arte más influyente del siglo XX” por 500 reputados profesionales
del sector.
Botellero de hierro, Marcel Duchamp (1914)
París, 4 julio 1914. Marcel Duchamp compra, en el Bazar de L'Hôtel de Ville, un porta-botellas de hierro. Se vuelve obra por elección del artista. Se trata de un ready made "no interesante ni en la forma ni en nada, sino indiferente". Eso sí, y como describió el propio Duchamp, realizado "para criticar devastadoramente a las obras de arte, y tratar de fetiche a todo objeto artístico". Es una muestra de lo que está más allá del arte, es lo conceptual, donde se muestra la improductividad.
L.H.O.O.Q, Marcel Duchamp
(1919). Representación de la técnica ready- mades hecha sobre una
tarjeta postal con la imagen la Mona Lisa, de Leonador Da Vinci, en la
que Duchamp dibujó a lápiz un bigote y perilla.
Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, Los novios desnudando a la novia (1923, Museo de Arte de Filadelfia), conocida también como El gran vidrio. Cuando la obra se rompió durante un traslado, Duchamp la declaró concluida al ver las maravillosas grietas que se habían formado a modo de tentáculos.
Anticipo de un brazo roto, Marcel Duchamp (1915)
Obra de 1915 que consta de una pala de nieve. Duchamp al llegar a los Estados Unidos vio por primera vez una pala de nieve, puesto que en Francia no son fabricadas. Junto con su compañero Jean Crotti compró una y se la llevaron a su estudio, donde pintó en título y 'de Marcel Duchamp 1915' en la pala y la colgó de un alambre en el estudio.
A partir de 1936 fabrica una especie de
«museo portátil», una caja-maleta con la reproducción en miniatura de lo que él
mismo consideraba lo más relevante de su obra. Su Rueda de bicicleta (el
original de 1913 se ha perdido; tercera versión de 1951, Museo de Arte Moderno,
Nueva York), es uno de los primeros ejemplos de arte cinético.
Como dato curioso, abandonó el arte durante las décadas 1920 y 1930 para jugar ajedrez, llegando a practicarlo semiprofesionalmente, como podéis observar en el siguiente artículo de El País:
SU ÚLTIMA OBRA:
Durante los últimos 20 años de su vida (1946-1966) el artista no sacó a la luz ninguna obra y todos sus coetáneos pensaron que se había apartado del arte para dedicarse por entero al ajedrez. Sin embargo, un año después de su muerte apareció su última gran obra, con instrucciones del propio artista para montarla y exhibirla. Etant Donnés (la cascada) se presenta de este modo como una obra de arte enigmática, cargada de sensualidad y erotismo, en la que había estado trabajando en secreto en su estudio de Nueva York durante 20 años.
La obra se trata de una puerta antigua, de madera, colocada sobre uno de los muros de la galería del museo. El pórtico no abre y tras él se encuentra un escena peculiar, la cual sólo se puede observar a través de un pequeño agujero en la madera. Cuando el espectador se acerca y mira descubrirá el cuerpo de una mujer desnuda recostado sobre el césped.
En su mano izquierda -la única que se puede ver- sostiene una lámpara de gas, perpetuamente encendida y en el plano del horizonte un paisaje soleado con algunas nubes dispersas.
A continuación os dejamos el vídeo de la instalación expuesto en el museo de arte de Filadelfia:
Durante 20 años Duchamp creó una compleja obra que vería la luz hasta después de su muerte -así lo dejó claro en el cuaderno con las instrucciones para su instalación-, diseñada específicamente para el Museo de Arte de Filadelfia y que sólo ha visitado otras partes del mundo en modelos a escala.
JAVIER MADERUELO
JAVIER MADERUELO
Javier Maderuelo (Madrid, 1950) es Doctor en
Arquitectura por la Universidad de Valladolid, Doctor en Historia del Arte por la
Universidad de Zaragoza, y Catedrático de Arquitectura del Paisaje en el
Departamento de Arquitectura de la Universidad de Alcalá. Ha sido, además,
profesor invitado en las universidades Nacional de Chile y Lisboa.
Ha participado como profesor en más de cien cursos
monográficos y seminarios y ha impartido cursos de doctorado en las
universidades de Valladolid, Politécnica de Valencia, del País Vasco y en la
Escola Superior Artística do Porto, Oporto.
Ejerce como crítico y ensayista, escribiendo asiduamente
sobre arte y arquitectura. Ha sido crítico de arte en diario El Independiente y
en la revista Cyan, siéndolo del diario El País desde 1993.
Maderuelo dirige el programa Arte y Naturaleza de la
Diputación de Huesca y las publicaciones editadas bajo ese título, así como los
cursos que se han celebrado entre 1995 y 1999. Como continuación de ese
programa, dirige los cursos sobre Paisaje del CDAN-Fundación Beulas de Huesca.
LA
IDEA DE ESPACIO PARA MADERUELO
Para Maderuelo, el espacio de la cultura es el definido
por la expresión del arte, que se hace visible en la arquitectura. Y está
marcado con nombres específicos y de unas formas características que tienen
unos significados diferenciales porque generan emociones peculiares que
identifican a sus usuarios con ellos.
El análisis del
papel del espacio en las artes se centra en la escultura y sus desbordamientos,
de manera que se establece una especie de dialéctica entre el espacio
arquitectónico y el escultórico, rastreando los ricos márgenes que se han generado
en los límites de ambas disciplinas y que han dado origen a otros nuevos
géneros en los que lo espacial aparece como una de sus características más
definitorias.
ALGUNOS
DE SUS ARTÍCULOS PUBLICADOS EN EL PAÍS
Hemos incluido estos tres artículos porque nos
permiten ver la diversidad de obras que Maderuelo puede analizar debido a su
gran conocimiento sobre las distintas técnicas y estilos artísticos.
Dos
aproximaciones a Sol LeWitt
La Fundación Botín y la Galería Elvira González
presentan sendas exposiciones del prolífico artista estadounidense, padre del
minimalismo.
Minimalismo y arte conceptual son dos tendencias que
deben mucho a Sol LeWitt (Hartford, 1927-Nueva York, 2008), uno de los artistas
más prolíficos e influyentes de la escena norteamericana durante la segunda
mitad del siglo XX. Artista reflexivo, inició tardíamente la producción de su
extensísima obra realizando esculturas o estructuras, como él prefería
llamarlas, de un contundente carácter geométrico y de una poderosa presencia
física.
Durante la segunda mitad de los años sesenta, a partir
de una "geometría primaria" que se apoya en las figuras más
elementales, como el cuadrado y su proyección tridimensional, el cubo, elaboró
unos presupuestos de sencillez que se encuentran unidos a una serie de valores
relacionados con la noción de orden, y con la voluntad de que la obra no caiga
en la representación de algo ajeno a ella misma. Sol LeWitt estudió entonces
las posibilidades de manipulación de diferentes elementos muy simples, como la
línea recta, el cuadrado y el cubo, trabajando con un repertorio de recursos
estructurales particularmente reducido y esquemático: una retícula cuadrangular
y una serie de elementos cúbicos utilizados modularmente o formando
progresiones. De esta manera desarrolló su vocabulario plástico, que se
materializa en obras como sus Incomplete Open Cubes (1974), de los que se puede
ver uno en la exposición de la Galería Elvira González.
A la vez que realizaba este tipo de obras se planteó
una serie de problemas teóricos en torno a la esencia conceptual del arte,
publicados por primera vez bajo el título Paragraphs on Conceptual Art (1967),
que conducen a la desmaterialización de la obra artística. Lo que no le impidió
seguir produciendo esculturas y obra gráfica: grabados, estampas, carteles,
libros de artista y álbumes fotográficos. Aquellas reflexiones le condujeron
hacia la elaboración de proyectos para ejecutar dibujos efímeros sobre las
paredes de las galerías o los museos.
No se quedó anclado en el reduccionismo minimalista,
sino que fue ampliando progresivamente los recursos plásticos
Pero el artista no se quedó anclado en el
reduccionismo minimalista, sino que fue ampliando progresivamente los recursos
plásticos y los medios de producción. En las dos exposiciones que se comentan
se puede intuir la evolución experimentada por el artista a lo largo de su
carrera, en la que ha pasado de las estructuras más rigurosamente geométricas y
monocromas a servirse de todo tipo de formas y colores, desbordando sus
primitivos presupuestos, pero conservando siempre la idea de serie.
Uno de los procedimientos que caracterizan su trabajo
es la redacción de proyectos para pinturas murales, sus célebres wall
drawings, con los que no ha dejado ninguna posibilidad estructural sin ensayar,
ya que ha proyectado y ejecutado más de mil doscientos. Ahora se muestran en
Santander 17 de ellos, que permiten seguir la evolución formal y conceptual del
dibujo mural del artista. En estas obras, que se borran y desaparecen una vez
concluida la exposición, predomina la idea sobre la materialidad y se pone en
evidencia el interés por unos procesos creativos en los que participan
diferentes artistas que, siguiendo las instrucciones de los proyectos, dibujan
las líneas y las formas sobre los muros.
Los
espacios de Carlos Bunga
Su obra se sumerge teórica y anímicamente en el
conceptualismo, pero se sitúa en un territorio fronterizo en el que la pintura
ha reclamado el volumen escultórico.
Durante la modernidad se entendió que el arte de la
pintura debía basarse en las cualidades de los pigmentos que se extienden sobre
la superficie del cuadro hasta configurar un campo de color. Aquellas ideas que
alcanzaron su cenit con Clement Greenberg han sido cumplidamente contestadas
por los artistas en el ya casi medio siglo que dura la posmodernidad. Durante
este tiempo se ha negado reiteradamente la pintura, el cuadro, el color e
incluso la idea de campo. Pero, con idéntico empeño, han surgido otros tantos
artistas que han buscado recambios a aquellos conceptos proponiendo nuevas
maneras de pintar, de hacer cuadros, de percibir, de comprender y de
experimentar la pintura y lo pictórico. Por tanto, no se puede considerar una
provocación que la última exposición de Carlos Bunga (Oporto, 1976) se titule
precisamente Pintura, pero sí resulta interesante comprobar qué es lo que un
artista actual entiende hoy, en 2015, por pintura.
Obviamente, la obra de Bunga se sumerge teórica y
anímicamente en el conceptualismo, pero se sitúa en un territorio fronterizo en
el que la pintura se ha expandido reclamando el volumen escultórico, la acción
escénica y la construcción del espacio arquitectónico. Ciertamente, esto no es
nuevo, algunos artistas del Barroco construyeron espacios arquitectónicos con
volúmenes escultóricos que eran escenarios teatralizados para desbordar una
pintura que se manifiesta triunfante. Pero Carlos Bunga no es un artista
barroco ni cae en el vicio del exceso, sino que sirviéndose de materiales
modestos, como son el cartón de embalar y la cinta adhesiva, construye espacios
reales, especie de hornacinas, falsos muros e incluso estructuras
tridimensionales que poseen un indudable sentido de la construcción, pero cuyo
destino es convertirse en nuevos soportes para una pintura que niega el cuadro
pero que reivindica el espacio. También al contrario que en el Barroco, aquí no
hay ni trampantojos ni trucos ilusionistas, los medios materiales y la propia
pintura se muestran de forma objetiva, sin intentar ocultar lo que son: cajas
de cartón pintadas que ponen en evidencia sus cualidades volumétricas y
perceptivas, su inmediatez y su temporalidad, su materialidad y su fragilidad.
El triunfo de la ambigüedad
Dos exposiciones plantean
una visión panorámica de la obra del cubano Carlos Garaicoa.
Reconocemos el periodo
actual con el calificativo de posmodernidad, al haber renunciado muchos
creadores a los patrones sobre los que se apoyaban los ideales, los géneros,
los estilos y las formas que caracterizaron a las artes de periodos anteriores.
Lo posmoderno no se afianza en lo que es sino en su condición negativa, en lo
que no es; no es clasicismo ni es modernidad. Esta es la sensación que produce
la obra de Carlos Garaicoa (La Habana, 1967), sin duda un genuino representante
de su época, es decir, un creador auténticamente posmoderno. No es pintura, ni
es escultura, ni es arquitectura, ni es fotografía, ni es dibujo… Pero su obra
participa de manera ambigua de aquellos antiguos géneros que aparecen en ella
mezclados para cobrar nuevo sentido a través de la idea de proyecto.
Coinciden en el tiempo
dos exposiciones, una en Móstoles (Madrid), otra en Santander, cuyos contenidos
son complementarios, ofreciendo el conjunto una visión panorámica del trabajo
de este artista que ha sido tocado por la fortuna del mercado, estando su
trabajo presente en todas las ferias de arte y en los grandes museos. A pesar
de la gran cantidad y diversidad de obras reunidas entre las dos exposiciones,
el conjunto no consigue centrar una idea o repertorio de ideas sobre las que
comprender cuál es el sentido final que pretenden sus obras, por el contrario,
siguiendo la retórica posmoderna, cada obra o cada grupo de obras (trabaja por
series) parece apuntar en una dirección diferente del resto, sembrando la
incertidumbre en el espectador. Si juzgáramos estas exposiciones desde una
metodología académica, esta característica constituiría un grave desdoro para
el artista, pero si lo hacemos desde la óptica posmoderna se trata de un
cumplido elogio. Con todo, ambos conjuntos permiten reconocer al menos un
interés por un tema: la ciudad y su arquitectura.
Ciertamente, la ciudad
como tema empezó a interesar a los artistas desde que en el siglo XIV Ambrogio
Lorenzetti mostró los efectos de su buen gobierno, llegando a un punto álgido
con las acciones de los situacionistas en los años sesenta del pasado siglo,
pero todo eso parece ser agua pasada para un artista posmoderno como Garaicoa,
quien plantea también situaciones que parecen críticas pero no acaban en una
denuncia concreta, que pretenden ser utópicas pero no pasan del umbral de lo
cotidiano, que parecen propositivas pero no concretan soluciones. Frente a la
ironía, que ha caracterizado buena parte del arte de la modernidad, estas obras
ahondan en la ambigüedad como táctica para plantear algunos temas de carácter
político, es decir, para trabajar sobre asuntos que atañen a las relaciones
sociales entre los ciudadanos y de estos con el poder. Sirviéndose de un
lenguaje propio de la crítica social, el artista sueña con imágenes de una
realidad en la que las ruinas arquitectónicas se transforman en construcciones
ideales que, con ingenio, Garaicoa superpone a las imágenes reales sirviéndose
de técnicas gráficas muy depuradas, como dibujar con hilos sobre imágenes
fotográficas. Se trata de obras impecablemente resueltas desde el punto de
vista técnico, lo que las hace visualmente y espacialmente muy atractivas.
Programa Arte y
Naturaleza de la Diputación de Huesca
En esta web puedes
encontrar toda la información sobre el programa Arte y Naturaleza gestionado
por la Diputación de Huesca y dirigido por Javier Maderuelo.
En la aplicación Issuu,
podemos encontrar el libro “Arte y naturaleza 1994/2004” escrito por Alberto
Carneiro y Fernando Casas, que nos puede ayudar a entender mejor el programa
que desarrolla la Diputación de Huesca.
Hemos incluido en nuestra
entrada la siguiente noticia relaciona con este proyecto ya que nos parece
interesante y que guarda bastante relación con nuestra carrera.
El
programa Arte y Naturaleza llega a los docentes altoaragoneses a través de un
seminario impartido en la DPH
Maderuelo y Castro
reivindican la difusión del arte contemporáneo a través de la docencia
Acercar el arte contemporáneo, y especialmente, el programa Arte y Naturaleza,
al público más joven ha sido el principal objetivo de este curso organizado por
el departamento de Artes Plásticas de la Diputación de Huesca. Un seminario que
ha contado con la asistencia de más de 35 profesores procedentes de algunos
centros educativos de la provincia de Huesca.
En palabras de la técnico
de Artes Plásticas de la Institución, Teresa Luesma,"esta propuesta ha
significado una buena oportunidad para difundir y dar a conocer a los docentes
un programa muy importante desde el punto de vista teórico y práctico de lo que
se ha dado en llamar el arte público".
En el curso celebrado en
el Salón de Actos de la DPH han intervenido, Javier Maderuelo, director del
programa Arte y Naturaleza, y Catedrático de Arquitectura del Paisaje en la
Universidad de Alcalá de Henares, que ha hablado sobre "El arte en
relación con la naturaleza.". Maderuelo ha hecho un repaso por la historia
de la relación entre la naturaleza y el arte contemporáneo, incidiendo en las
corrientes nacidas a finales de los sesenta, denominadas "land art" y
"earth works", atendiendo a los trabajos de Richard Long, Walter de
María, Robert Smithson y Siah Armajani, entre otros.
Desde el área de Cultura
se hace un balance muy positivo de esta experiencia educativa que promocionará
el arte público entre los escolares altoaragoneses. La iniciativa de la
Diputación que ha contado con la colaboración del Centro de Profesores de
Huesca ha sido catalogada por los docentes como positiva para trasladar los
significados del arte actual a sus alumnos, subrayando la necesidad de repetir
en el futuro acciones de este tipo.
Por su parte, Fernando
Castro, Profesor de Estética de la Universidad Autónoma de Madrid, ha disertado
sobre la trayectoria artística de David Nash, artista invitado por la
Diputación para realizar la próxima instalación dentro del programa Arte y
Naturaleza. Castro, comisario de esta obra y de la exposición, ha analizado la
pieza que el artista galés ha bautizado como"Three Vessels para Huesca en
Berdún".
Por último, el critico y
teórico de arte ha explicado exhaustivamente las piezas que integrarán la
exposición "Vessels" que se celebrará en la Diputación entre el 18 de
marzo y el 24 de abril, recalcando uno de los puntos básicos en la trayectoria
de Nash que es "el respeto a la naturaleza y al medio ambiente".
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