ALGUNAS
DE LAS INSTALACIONES MÁS PECULIARES (I)
Forever Bicycles de Ai Weiwei
ANTES DE CONOCER LA
HISTORIA DE LA OBRA, CONOZCAMOS UN POCO AL AUTOR:
Ai
Weiwei nació en Beijing en agosto de 1957, después de que Mao Zedong proclamara
la nueva República Popular China. Su padre, Ai Ching, era un poeta
revolucionario y miembro del partido comunista, quien tuvo varios problemas con
la política de Mao. Debido a la persecución de su padre, Ai Weiwei y su familia
tuvieron que ser exiliados de Beijing.
Tras la muerte de Mao y desilusionado con la situación
social y artística de China, Ai Weiwei viajó a Nueva York para desarrollarse
como artista. Allí la política funcionaba de forma diferente, el sistema
judicial operaba a favor de la población y el arte podía ser todo lo que él
quisiera que fuera. Se adentró en el mundo de la fotografía influenciado por
Andy Warhol y Marcel Duchamp.
En 1989 regresó a China y su arte estaba cargado de
significados sociales y culturales. Actualmente se encuentra vigilado dentro de
su estudio y no tiene permiso de salir del país.
En 2008 hubo un terremoto que acabó con la vida de
muchos niños debido a las malas infraestructuras de un colegio. Ai publicó los
nombres de todos los niños en un blog, el cual fue bloqueado inmediatamente y
Ai fue arrestado y amenazado.
Ese mismo año, el gobierno de Shanghái le pidió crear
un estudio para las artes y la cultura. Cuando lo terminó en 2010, el gobierno
federal lo declaró ilegal y lo mando destruir. Antes de que Ai pudiera reclamar
la demolición, fue detenido por una supuesta invasión de impuestos.
Desde entonces, Ai se ha convertido en una celebridad
en Twitter gracias a sus publicaciones donde cuenta todas las torturas que
sufría en las cárceles chinas.
AHORA CONOZCAMOS LA OBRA…
Durante la Revolución Francesa, nació un juguete para
niños ricos; dos ruedas, una estructura metálica y un volante dieron vida a la
bicicleta.
Muchos personajes en la historia han hablado sobre
este transporte. Albert Einstein decía que “la vida es como montar en
bicicleta. Para mantener el equilibrio hay que seguir pedaleando”.
Forever Bicycles de Ai Weiwei
Ahora, el artista Ai Weiwei retomó las bicicletas para
crear una instalación: Forever Biclycles, en la que 3144 bicicletas son
apiladas para crear una instalación que gracias a la iluminación que se coloca
sobre ellas, genera la ilusión de una imagen en movimiento.
Forever Bicycles
se presenta en Toronto como la pieza central de la Scotiabank Nuit Blande, una
muestra en la que lo mejor del arte contemporáneo toma las calles.
Forever Bicycles de Ai Weiwei
Las 3 mil 144 bicicletas se apilaron a una altura de 100 pies de largo y 30 pies de altura en la explanada del Nathan Phillips Square; ya que se trataba de una fiesta en la que el arte moderno y la noche se darían cita, se decidió poner iluminación en rosa y azul para que la instalación fuera más atractiva.
La instalación inicial constaba de 760 bicicletas y en ésta, el artista explora la fabricación en serie a través de los principales medios de transporte de su país. Cada bicicleta está producida por Yong Jui pai, la marca más común de bicicletas en China. Los componentes de la bici y la disposición del producto final se interpretan como una metáfora de la innegable red de la mano de obra china.
Forever Bicycles de Ai Weiwei
El resultado es un producto del trabajo humano que contrasta con la ineficacia yla infinitud de la producción colectiva en nuestros tiempos con la productividad y el potencial de las masas trabajadoras.
Forever Bicycles de Ai Weiwei
The
physical impossibility of Death in the Mind of someone living
ESTE ES SU AUTOR:
Damien
Hirst, nacido en Bristol en 1965, empezó a meterse en problemas desde muy
pequeño; sin interés ninguno por los estudios, la única materia en la que
destacó fue la de arte. Desde finales de 1980, ha venido empleando distintas
prácticas en escultura, pintura y dibujo.
Hirst, comenzó a mostrar su interés por la “idea
inaceptable” de la muerte desde adolescente. A los dieciséis años, visitó el
departamento de anatomía de la Facultad de Medicina de Leeds con el fin de
hacer dibujos del natural. Esta experiencia le sirvió para manifestar lo
difícil que le resultaba reconciliarse con la idea de la muerte. Y,
cuestionando los sistemas de creencias contemporáneos, aunque parezca
contradictorio, insiste en que ‹el arte es sobre la vida y no puede ser sobre
nada más… no hay nada más›.
Estudió Bellas Artes en la Universidad de Goldsmiths,
en Londres. Desde 1991, Hirst comenzó a trabajar en Natural History,
posiblemente su serie más famosa: una colección de cadáveres de animales
metidos en depósitos de acero y aristal preservados en formol. Estas obras
muestran su interés en los mecanismos de visualización, en definir el espacio
de la obra, al mismo tiempo que pone énfasis en la fragilidad de la existencia.
AQUÍ LA EXPLICACIÓN DE UNA DE SUS OBRAS
MÁS IMPORTANTES…
The physical impossibility of Death in the
Mind of someone living se compone de un tiburón tigre de 14
pies suspendido y preservado en formol, en una vitrina. Fue creada en 1991 y se
ha exhibido en el Museo Metropolitano de Arte y en la Tate Moderm.
Desde su instalación inicial, el tiburón ha sido
reemplazado por muchos más jóvenes. Esto es bastante significativo, se puede
ver que el tiburón es representativo de la muerte, y aunque Hirst pudo haber
deseado presentar un momento congelado en el tiempo, su tiburón todavía está
sujeto al desgaste y la degradación que viene con el paso del tiempo.
The
physical impossibility of Death in the Mind of someone living
El tiburón en el tanque está completamente aislado de
su entorno natural, en lugar de estar en movimiento, en el agua, lo vemos
completamente congelado y preservado. Para muchos, es la primera vez que se
acercan tanto a un tiburón.
El tiburón posee una extraña simultaneidad, parece
estar vivo y muerto al mismo tiempo. Su presencia es realmente inquietante. La
expresión facial del tiburón pertenece a una sensación problemática y evita que
el espectador se sienta a gusto. Su boca abierta le da una sensación de amenaza
y peligro.
The
physical impossibility of Death in the Mind of someone living
Los ojos del tiburón exageran su presencia
desconcertante; donde los ojos suelen ser expresivos y transmiten sentimientos,
los ojos del tiburón no tienen párpados y miran interrogativamente a la
audiencia. Esta falta de expresión en los ojos impide que el espectador sienta
simpatía hacia el animal, en cambio, nos sentimos amenazados por su mirada en
blanco.
The
physical impossibility of Death in the Mind of someone living
La presencia del tiburón es visceral, directa e
imposible de ignorar. Esto se debe principalmente a su tamaño; el tiburón mide
un total de 4,3 metros, lo que hace que sea increíblemente difícil pasarlo por
alto en una galería. En este sentido, su existencia es similar al tema de la mortalidad. El tema de la muerte es algo que las personas a menudo pueden tratar de evitar o ignorar, pero es una parte tan necesaria de la experiencia humana y está tan inextricablemente unida a la vida que es imposible no reconocerla y cuestionarla en algún momento.
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ESTA ES LA VIDA DE LA AUTORA…
Yayoi
Kusama nació en Matsumoto (Japón) en 1929. Su infancia, adolescencia y juventud
transcurrieron en una sociedad misógina, en la que la mujer tenía poco o nada
que decir. Y mucho menos en el complicado campo del arte.
A los 10 años entra en contacto con el mundo del color
y la plástica. Enamorada desde entonces de los lunares, empieza a realizar
obras donde la fantasía y la realidad conviven en entornos en los que nada es
lo que parece. Retratos de su madre plagada de lunares. Obras que pretenden
reflejar las inquietantes alucinaciones que produce su propia mente… La
solución que encontró Kusama para contrarrestar los efectos de su desorden
mental fue, sencillamente, pintar aquello que veía.
En 1957 se muda a Nueva York para buscar nuevas vías
de expresión con las que dar salida a la vorágine artística que anidaba en su
mente y en su espíritu. En Nueva York, vive en primera persona la explosión del
pop art y la desbordante creatividad de los años 60 y 70, que influyen
poderosamente en sus instalaciones llenos de luz, color y curvas.
A finales de los años 0, el potente movimiento
sociocultural que experimenta la escena norteamericana se apodera del espíritu
de Yayoi Kusama.
En 1973 regresa a su Japón natal, donde hoy día reside
en un hospital psiquiátrico por voluntad propia. De él sale para trabajar en su
estudio y continuar comunicándose con sus antiguas pesadillas, origen
primigenio de su inquieta obra.
EXPLIQUEMOS SU OBSESIÓN POR LO PUNTOS A
TRAVÉS DE ESTA OBRA:
Kusama ha creado esta nueva instalación de su obra
aclamada por la crítica, específicamente para la Rice Gallery. Toda la galería
se transformará en un espacio de ensueño amarillo lleno de lunares de Kusama y
grandes globos antropomórficos de látex amarillo también cubiertos de puntos.
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Miembro de la vanguardia de Nueva York en la década de
1960, Kusama ha trabajado mucho tiempo en una variedad de medios. La
instalación en Rice Gallery marca la primera vez que se muestra el trabajo de
Kusama en Houston.
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"Es emocionante para Rice Gallery presentar el
trabajo de Kusama en este momento", comenta el director de la galería, Kim
Davenport. “En 1968, su celebridad rivalizaba con la de Andy Warhol, pero
sus problemas mentales se volvieron inmanejables y optó por el
silencio. Dos espectáculos importantes en Nueva York el año pasado y la
retrospectiva programada para Los Ángeles en 1998 marcan el regreso de Kusama
al centro de atención y estamos encantados de ser parte de él”.
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